Mozart y Mambo

La 90ª Temporada se abre con los hermanos Sarah Willis y el director musical Alastair Willis juntos en el escenario. Esta emocionante y única actuación combina piezas muy queridas para trompa de Wolfgang Amadeus Mozart con música tradicional cubana.

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Programa

Stravinsky
Suite Pulcinella

I. Sinfonía (Ouverture)
II. Serenata
III. Scherzino - Allegro - Andantino
IV. Tarantella
V. Toccata
VI. Gavotta con due variazioni
VII. Vivo
VIII. Minuetto - Finale

Mozart
Concierto para trompa nº 3 en mi bemol mayor, K.447

I. Allegro
II. Romance. Larghetto
III. Allegro

Bologne
Obertura de L'Amant anonyme/El amante anónimo, Op. 11, nº 2

I. Allegro Presto
II. Andante
III. Presto

Milhaud
Le boeuf sur le toit, Op. 58

Notas del programa

Suite Pulcinella

Igor Stravinski
Nació: 17 de junio de 1882, en San Petersburgo
Murió: el 6 de abril de 1971, en Nueva York

De un vistazo
Compuesto: 1920
Duración: 22 minutos
Estrenada por: Orquesta Sinfónica de Boston
dirigida por Pierre Monteaux en diciembre de 1922

La historia
Ningún compositor del siglo XX estuvo más relacionado con la danza que Stravinsky. Escribió al menos 12 partituras específicamente para la producción de ballet, y los coreógrafos han utilizado un gran número de ellas para sus danzas.

El creador y principal impulsor de toda esta actividad de danza stravinskiana fue Serge Diaghilev, el empresario ruso para el que el compositor escribió su triunfal triunvirato de ballets (1910-13), El pájaro de fuego, Petrushka y La consagración de la primavera. Diaghilev reunió a su compañía tras la Primera Guerra Mundial y buscó un proyecto con el que atraer a Stravinsky de nuevo al ballet. Contemplando el éxito de Las señoritas de buen humor, bailada con música de Domenico Scarlatti arreglada por Vincenzo Tommasini, se fijó en la música de Pergolesi como una posibilidad para la manipulación de Stravinsky. Al principio, el compositor se mostró poco entusiasta con el plan, pero se convenció al leer las numerosas partituras del maestro italiano del siglo XVIII que Diaghilev había reunido, sin saber que la mayoría de las piezas no eran auténticos artículos de Pergolesi.

Stravinsky eligió varias piezas atribuidas a Pergolesi, y de un viejo manuscrito tomó un episodio cómico cuyo protagonista era Pulcinella, el héroe tradicional de la commedia dell'arte napolitana.

El argumento es natural para el sofisticado ingenio de Stravinsky: Pulcinella, pretendido por todas las muchachas, corre peligro de ser asesinado por los novios de éstas. Al cambiar de lugar con su doble, que sólo finge ser asesinado, Pulcinella escapa del peligro. Los aspirantes a asesinos se disfrazan de Pulcinella y van a visitar a sus respectivas novias. Pulcinella, como si hubiera resucitado de entre los muertos, aparece. Convertido en un magnánimo benefactor, arregla matrimonios para las parejas y casa a Pimpinella.

Manteniendo la mayoría de las melodías originales, Stravinsky "retoca" la música con notas añadidas y ostinatos, que aportan acritud armónica y tensión rítmica. Ajusta sutilmente las frases, rompiendo la simetría formal, y añade color mediante una orquestación que exhibe la transparencia característica del compositor.

El ballet se presentó en París el 15 de mayo de 1920, con coreografía de Léonide Massine -que también bailó el papel principal- y decorados y vestuario de Pablo Picasso. La suite de concierto, compuesta por 11 movimientos de los 18 del ballet, se creó en 1922.

Concierto para trompa n.º 3 en mi bemol mayor

WOLFGANG AMADEUS MOZART
Nació: 27 de enero de 1756, en Salzburgo
Murió: el 5 de diciembre de 1791, en Viena

De un vistazo
Compuesta: 1787
Duración: 15 minutos

La historia
La inspiración de Mozart para sus conciertos para trompa (junto con el quinteto para trompa) fue Joseph Leutgeb (1732-1811), que trabajó en la Orquesta de la Corte de Salzburgo durante la precoz infancia de Mozart.

A pesar de su éxito, el trompetista carecía casi constantemente de dinero y tanto Mozart como su padre le apoyaron económicamente en diversas ocasiones.

La trompa de la época de Mozart era mucho menos sofisticada que el instrumento que conocemos hoy. Habiendo evolucionado a partir de la trompa de caza -sólo capaz de unas pocas notas arpegiadas en las conocidas llamadas de caza-, la trompa de Mozart utilizaba báculos para aumentar y disminuir la longitud de la tubería, lo que permitía algunos cambios de tonalidad; la gama de notas era producida en gran parte por el músico con una variedad de vibraciones labiales a través de la embocadura, completadas por ajustes de una mano dentro de la campana del instrumento. No fue hasta aproximadamente 1820 cuando la invención de las válvulas permitió una gama completa de semitonos.

El K.447 está escrito para dos clarinetes y dos fagotes, además de cuerdas, lo que le confiere una calidad ligeramente más rica y reflexiva que el nº 4, K495 -quizás el más conocido de los cuatro conciertos, en parte debido a la canción cómica de Flanders y Swann "Ill Wind", basada en su Rondo final-, que está escrito para dos oboes y dos trompas orquestales. En cuanto a su ubicación en el catálogo de obras de Mozart, el nº 3 fue escrito sólo unas semanas después de su gran Misa en do menor, K.427. Como todos los conciertos de Mozart, ya sean para piano, violín, oboe o clarinete, destila la esencia del instrumento solista tal y como él lo conocía, explorando aquí la riqueza aristocrática y el conmovedor lirismo de la trompa antes de capitalizar la conexión entre trompa de caza y trompa en el alegre e ingenioso final.

El tutti orquestal de apertura introduce la obra con suave seguridad, los dos temas principales llegan en rápida sucesión, antes de que una serie de gestos anticipatorios en las cuerdas introduzcan la trompa solista, que reintroduce y amplía los dos temas principales. El breve desarrollo arroja la estructura de la clave al crisol orquestal durante unos instantes antes de que la recapitulación conduzca a una cadencia para el solista. La coda redondea el movimiento con elegancia.

El movimiento lento, en la tonalidad de La bemol, es una Romanza, un Rondo en todo menos en el nombre, equilibrado y lírico con la trompa como protagonista desde el principio. El final es primo hermano del de la K.495, con su genial forma de Rondó, incluyendo un episodio que reintroduce el tema principal de la Rom anza a doble velocidad.

Obertura de l'amant anonyme/El amante anónimo, Op. 11, No .2

JOSEPH BOLOGNE, CHEVALIER de SAINT-GEORGES
Nació: hacia 1745, cerca de Basse Terre, Guadalupe
Murió: el 10 de junio de 1799, en París

DE UN VISTAZO
Compuesto: 1799
Estrenada: 8 de marzo de 1790, París
Duración: 10 minutos 10 minutos

La historia
El Mozart negro. Así apodaron a Joseph Bologne los primeros historiadores de la música. Pero eso es una injusticia para este personaje de capa y espada, que fue una de las figuras más pintorescas y versátiles de la alta época clásica.

Nació en la isla caribeña de Guadalupe, hijo de un plantador blanco y de su esclavo africano Nanon. El padre se llevó a Nanon y a su hijo con él a Francia en 1747 durante dos años, para evitar falsas acusaciones de asesinato en Guadalupe. Después de que el mayor de los Saint-Georges obtuviera un indulto real, los tres regresaron a Guadalupe durante un par de años, pero se trasladaron definitivamente a Francia en 1753.

El muchacho demostró un inusual talento atlético. Se inició en la esgrima a los 13 años y desarrolló rápidamente unas habilidades formidables que le valieron un puesto como miembro de la guardia del Rey en 1764, a la edad de 19 años. Ese nombramiento también conllevó el título de Caballero. Su personalidad, su legendaria habilidad con la espada y su atractivo físico le hicieron muy popular entre la nobleza parisina.

Se conserva poca información sobre los primeros años de formación musical de Saint-Georges, pero algunas dedicatorias suyas de obras del compositor François-Joseph Gossec y del violinista y compositor italiano Antonio Lolli indican que probablemente estudió con ambos. Sabemos que entró a formar parte de la orquesta de Gossec en 1769 y que pronto fue ascendido a concertino. Comenzó a actuar como solista en la década de 1770, incluyendo interpretaciones de sus propios conciertos. Estas obras dan fe de su técnica superior y de las ventajas que le ofrecía el nuevo arco Tourte. A mediados de la década de 1770, dirigía el Concert des Amateurs, que pronto fue reconocido como una de las mejores orquestas de Europa.

Durante gran parte de los últimos 25 años de su vida, Saint-Georges se ganó la vida como músico, tanto actuando como componiendo. Sus dos cuartetos de cuerda fueron de los primeros que se publicaron en París. A partir de 1776, se dedicó más a la composición de óperas, y gozó del mecenazgo de la señora de Montesson y del duque de Orleans. Saint-Georges fue uno de los fundadores del Concert de la Loge Olympique. Dirigía esta orquesta cuando se le encargaron las Sinfonías "París" de Haydn.

La obertura se publicó en 1779 como Sinfonía Op. 11, nº 2. Saint-Georges la reutilizó al año siguiente como obertura de ópera. L'amante anonyme (El amante anónimo) es una comedia-ballet en dos actos, estrenada en la Ópera de París en 1780. Como indica el título original, la obertura es en realidad una sinfonía de ópera, un importante precursor de la sinfonía clásica, popular en la ópera italiana del siglo XVIII . Consta de tres movimientos discretos dispuestos rápido-lento-rápido y ejecutados sin pausa; el segmento final solía tener ritmo de danza.

La obertura de Saint-Georges comienza con un movimiento resuelto y ceremonioso en re mayor, repleto de oboes y trompas para reforzar su apertura dramática. Saint-Georges muestra un dominio seguro de la forma sonata, con un delicado diálogo entre violines y oboes para el segundo tema contrastante, y una sección de desarrollo bien pensada con algunos giros armónicos sorprendentes.

El Andante cambia a Re menor y se limita a las cuerdas. Se trata de una forma en miniatura a tres voces que proporciona un respiro entre los segmentos exteriores más animados. La obertura concluye con un alegre Presto en estilo de tarantela. Un breve interludio en re menor lo relaciona con el Andante, antes de una repetición de la música del Presto. Resulta fácil imaginar esta atractiva obertura como apertura del telón de una ópera cómica.

Le Boeuf sur le toit (El toro en el tejado)

DARIUS MILHAUD
NACIÓ: el 4 de septiembre de 1892
Marsella, Francia
MURIÓ: el 22 de junio de 1974, en Ginebra

DE UN VISTAZO
Compuesta: 1919-20
Estrenada: Febrero de 1920
Duración: 15 minutos 15 minutos

La historia
Natural de Provenza, en el sur de Francia, Darius Milhaud conservó durante toda su vida el ambiente soleado de su región natal. Sus padres tenían dotes musicales, y desde los tres años tocaba el piano a dúo con su padre. A los siete se inició en el violín y a los 13 comenzó las clases de armonía y descubrió la composición, su verdadera vocación. Tras la Primera Guerra Mundial, se unió a los compositores Georges Auric, Louis Durey, Arthur Honegger, Francis Poulenc y Germaine Tailleferre en lo que se conoció como Le groupe des six, discípulos del compositor Eric Satie y del escritor y pintor Jean Cocteau, que predicaban un credo antirromántico. Lo único que les unía era su insistencia en el derecho a expresarse musicalmente a su manera. Se oponían a lo que consideraban la "falsa sublimidad" de los impresionistas y otros movimientos artísticos en boga en aquella época.

Milhaud se convirtió en uno de los compositores más prolíficos del siglo XX, componiendo en todos los géneros, hasta llegar al Op. 443 en 1973. Experimentó con nuevos lenguajes musicales y fue partidario de la bitonalidad -el uso simultáneo de dos tonalidades-; incluso compuso dos cuartetos de cuerda que podían tocarse simultáneamente como un octeto. En 1940 fue uno de los pocos judíos franceses afortunados que escaparon de la invasión nazi de Francia. Instalado en Estados Unidos, pasó el resto de su vida enseñando en el Mills College de Oakland (California) y en la Escuela de Verano de Aspen (Colorado).

En 1917-18, el diplomático, poeta y dramaturgo Paul Claudel ejerció de ministro francés en Brasil y contrató como secretario a Milhaud, por entonces un prometedor compositor. Durante su estancia en Brasil, Milhaud pasó buena parte de su tiempo empapándose de la música autóctona, y a su regreso a París declaró su intención de "...escribir un ballet sobre el carnaval de Río, que se llamará Le Bœuf sur le toit, por el nombre de la samba que la banda tocaba esta noche mientras las mujeres negras, vestidas de azul, bailaban".

Emprendió el proyecto en 1919, entreteniéndose en fusionar melodías folclóricas, tangos, maxixes (una especie de polca sincopada brasileña), sambas e incluso música de fado portuguesa (un estilo de música popular bailable que combinaba tradiciones portuguesas y brasileñas). Las transcribió con un tema recurrente entre cada melodía.

Milhaud concibió la música como acompañamiento de una película imaginaria de Chaplin, y al principio la llamó cinéma fantasie, pero Jean Cocteau decidió convertirla en un ballet-pantomima. Como se iba a estrenar justo cuando entró en vigor la 18ª Enmienda, Cocteau la ambientó en un bar clandestino de Manhattan, con decorados de Raoul Dufy. La pantomima estaba protagonizada por tres payasos -los famosos hermanos Fratellini- e incluía: travestismo, decapitación de un policía por un ventilador de techo y exhibición de su cabeza a la Salomé de Richard Strauss. Se convirtió en un éxito de escándalo, y poco después un club nocturno de París llamado Club Gaya cambió su nombre por el de Le Bœuf sur le toit, obsequiando a Milhaud con una afiliación vitalicia.

Sarah Willis, trompa

Músicos

Conozca aquí a los músicos

Patrocinador de la serie

La serie de obras maestras de Jack M. Champaigne está patrocinada por Jack M. Champaigne.

Jordan Lexus de Mishawaka se enorgullece de apoyar a los Artistas Invitados de la ^90ª Temporada.

Programa sujeto a cambios.